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Become a Light, le nouvel album d’Eagle-Eye Cherry, a bercé nos oreilles une bonne partie de l’été. Nous étions impatients de le rencontrer. C’est dans les locaux de RTL que nous le rencontrons : allure féline, sourire aux lèvres, on découvre un Eagle-Eye Cherry impatient que ce nouvel album sorte et que la tournée démarre.

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Deux continents, une création

Un album écrit à quatre mains et deux fuseaux horaires…

Cet album, c’est surtout deux personnes et deux continents à parts égales. La partie Stockholm, c’est Peter Kvint, avec qui j’ai travaillé sur mes deux derniers albums, y compris celui-ci. C’est en quelque sorte mon homme de confiance. Mais d’abord, il co-écrit avec moi, puis il est producteur. On a enregistré en live avec un groupe de musiciens. Peu importe où nous sommes, tout s’harmonise. J’ai fait la même chose à L.A. avec Jamie Hartman (Kylie Minogue, Rag’n’Bone Man) et Mark Stoermer, bassiste de The Killers. Et puis il y a une chanson avec Lauren Christy, et c’est tout.

Pourquoi avoir choisi Peter Kvint ?

C’est plus une question d’écriture de chansons que de vouloir travailler avec tel ou tel producteur. C’est plutôt : « Je veux travailler avec tel compositeur », et puis ça se fait. Peter Kvint a co-écrit environ la moitié des chansons, comme I Remember What You Did Last Night et Just Because, enregistrées à Stockholm.

Just Because déroge à la règle de commencer vos albums avec une guitare acoustique…

Ce que j’ai aimé, c’est qu’elle fait office d’intro. Elle attire l’attention. C’est l’une des principales raisons pour lesquelles j’ai choisi ce titre en premier.

Parle-moi de la tracklist, tu as trouvé l’ordre facilement ?

Oui, la plupart du temps ça se passe bien. Mais parfois, je suis surpris après coup. Avec la tournée, certaines chansons prennent une autre place. Avant, les gens écoutaient l’album du début à la fin. Aujourd’hui, ce sont les cinq premières chansons qui comptent. Il faut capter l’attention en dix secondes. Les longues intros me manquent. Mais je pense que ça reviendra.

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Remember What You Did Last Night respire New York…

C’est mon titre préféré. Je suis impatient de le jouer. Je l’ai écrit avec Peter. Son riff de guitare acoustique m’a tout de suite évoqué New York. Ça a cette ambiance Walk on the Wild Side. Ça a ce genre de saveur. Et ça m’a donné la première ligne. J’ai eu l’idée que ça parlait du lendemain après quelque chose de fou qui s’était passé la nuit dernière. Mais tu ne te souviens pas vraiment de tout ce qui s’est passé. Et ça arrive à la plupart des gens. C’est ce moment où tu te souviens soudainement de quelque chose de cette nuit-là, c’est comme un flash. Et c’est là que j’ai eu l’idée de la musique. C’est comme : « Oh, merde. Qu’est-ce que j’ai fait ? ». C’est comme si tu ne voulais pas savoir.

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Trouver sa lumière

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Tu as toujours coécrit tes titres ?

Non, au début, j’ai écrit seul. Le premier album était presque entièrement de moi. J’ai écrit une chanson, Rainbow Wings, je crois, avec quelqu’un d’autre (avec John Carlberg, NDLA). Mais je pense que le premier album était vraiment une phase de recherche. Je ne savais pas qui j’étais musicalement. J’ai écouté beaucoup de genres différents. C’était un processus de recherche de moi-même. C’est probablement l’album le plus personnel que j’ai écrit au niveau des paroles. Puis j’ai commencé à faire des tournées, à rencontrer de nouvelles personnes, à leur dire « Hé, on devrait écrire une chanson », et j’ai essayé ça. J’ai vraiment apprécié écrire avec quelqu’un d’autre. On apprend beaucoup sur soi-même en tant qu’auteur-compositeur quand on écrit avec quelqu’un d’autre. Parce qu’on se rend compte que si on reste seul tout le temps, on ne comprend même pas qui on est. Avec le temps, je trouve ça plus amusant. Et puis, l’une des frustrations que je ressens quand j’écris seul, c’est qu’il arrive souvent un moment où je me heurte à un mur. Si vous avez quelqu’un d’autre, cette personne prend le relais et continue. Ça donne un meilleur rythme, et j’aime beaucoup ça.

Tu es du genre à accumuler des centaines d’idées de chansons dans ton téléphone ?

Oui, dans mon téléphone. Maintenant, je m’assois avec ma guitare, j’ai une bonne idée et je l’enregistre. Je le fais plus que jamais. Mais j’aime parfois saisir une idée sans me dire « OK, maintenant je dois aller l’écrire ». Je la laisse reposer, comme une bonne pâte à pain. Quand j’y reviens, je me dis : « Oh, celle-là était bonne ». Et puis je pars avec. Il y en a beaucoup comme ça, mais beaucoup se perdent. Il y en a une sur mon deuxième album, Are You Still Having Fun?. À l’époque, j’avais un dictaphone à cassette. Je travaillais avec mon guitariste, Mattias Torell, et j’essayais de trouver quelque chose à lui montrer. Ce riff m’est venu. Il m’a dit : « Whoa, c’était quoi ça ? » Moi : « Oh, ça ? » Lui : « Tu dois faire quelque chose avec ça ». Et c’était ça, tout simplement.

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Une guitare entre les mains, une voix qui s’impose

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Ton histoire avec la guitare est particulière : tu étais d’abord batteur.

Oui, tout à fait. Mais j’ai commencé à réaliser que je voulais faire de la musique tout seul, ne pas faire partie d’un groupe. J’avais quitté New York, rencontré une Suédoise là-bas, et on s’est installés à Stockholm. J’avais un petit équipement basique : un clavier avec séquenceur, un échantillonneur et un DAT. J’enregistrais ma voix, mes chœurs, tout ça. Dans l’un des appartements où nous étions, il y avait une guitare acoustique. Chez moi, enfant, on avait beaucoup d’instruments, mais pas de guitare. J’ai commencé à essayer, quelques accords, chanter. Et j’ai tout de suite entendu que ma voix sonnait mieux avec la guitare que tout le reste. Alors j’ai changé. J’ai repris mes idées de chansons à la guitare. J’ai décroché un contrat avec un label indépendant. Quand ils m’ont demandé ce dont j’avais besoin, j’ai dit : « Un ordinateur, un DAT, et un guitariste ». Ils m’ont présenté Kup, puis j’ai rencontré Mattias. On a tourné ensemble pendant quinze ans. Avec ces trois éléments, j’ai écrit toutes les chansons du premier album.

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Des planches à la scène

Tu étais comédien à New York avant la musique.

Oui, ma famille y avait déménagé. Tu sais, mon père voulait que je sois batteur et je n’avais pas encore décidé ce que j’allais faire. J’ai étudié le théâtre, j’adorais ça. Quand j’étais au lycée, c’était l’école du film Fame, la High School of Performing Arts. Il y avait des musiciens, des danseurs, des artistes, des acteurs… Nous n’étions pas dans les mêmes cours, mais en contact les uns avec les autres. J’ai rencontré des musiciens, je me suis fait des amis, et nous avons monté des groupes. À l’époque, je ne me disais pas : « Je vais juste être acteur ». Je voulais être une personne créative, faire plein de choses. Et quand on a cet âge-là, le monde nous appartient. On se disait simplement : « Oh, on va monter un groupe ». Je me souviens que pendant les examens finaux, je jouais Lysandre dans Le Songe d’une nuit d’été. Nous avons donné deux représentations : une l’après-midi, l’autre le soir. Ensuite, on a sauté dans la voiture de la mère de mon ami, on a mangé un bout, et on est allés en ville jouer un concert avec mon groupe, Third Rail. Puis on a joué avec un autre groupe. Et ça… ça a été la journée la plus parfaite que tu peux imaginer.

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De vivre des vies à vivre la sienne…

Ce n’était donc pas vraiment un plan. Quand j’ai obtenu mon diplôme, j’ai trouvé un agent et j’ai commencé à travailler comme acteur. Je payais mes factures à Brooklyn, je me laissais porter par le courant. Ce que j’aime dans le métier d’acteur, c’est de m’évader dans un autre monde, d’être quelqu’un d’autre, et ce travail d’ensemble. C’est un véritable travail d’équipe : nous travaillons tous ensemble. J’adore le fait que, lorsque nous travaillons sur quelque chose, nous faisons des erreurs pour trouver ce qui fonctionne. Et vous pouvez me dire : « Ça, ça ne marche pas. Quand tu fais ça, ça ne marche pas ». Et je ne le prends pas personnellement. « D’accord, essayons autrement. » Ce processus me manque. Avec la musique, c’était plus délicat. Quand j’ai commencé comme musicien et que je suis monté sur scène, mon seul regret avec le succès immédiat de Save Tonight, c’est qu’on n’a pas eu le temps. Je me suis retrouvé très vite sur la plus grande scène d’un festival… et je n’étais pas prêt. Je n’avais pas encore trouvé mon style sur scène, alors je me cachais derrière ma guitare. On a trouvé la solution, et ça a marché. Mais j’aurais aimé que ça dure un peu plus longtemps, parce qu’après, mes concerts ont vraiment commencé à être meilleurs. Je pense que ce qui a fonctionné pour moi, c’est quand j’ai réalisé que beaucoup de mes paroles, en particulier sur le premier album, étaient des histoires. Death Defied by Will est une histoire. Shooting Up in Vain est une histoire. Même Save Tonight. J’ai donc commencé à me concentrer sur les gens, à raconter une histoire. Et c’est là que la nervosité a commencé à disparaître, simplement en communiquant cette histoire. Je me suis dit : « Ok, ça marche ». Et puis, il y a le personnage de scène. C’est moi, je suis vraiment moi-même, mais… beaucoup de musiciens jouent des personnages : Marilyn Manson, David Bowie, d’autres encore. Je comprends tout à fait pourquoi on voudrait faire ça. D’une certaine manière, on se dit : « Oh, ça aurait été bien », d’être quelqu’un d’autre quand on monte sur scène, puis de redevenir soi-même après. Je me donne beaucoup, ce que j’adore, mais à long terme, cela peut être un peu fatigant. Quand on me demande ce que je fais avant de monter sur scène, je réponds : « Rien de spécial. Je bois un peu de whisky, je me mets dans le bon état d’esprit, j’écoute la musique qui me convient pour me préparer ». Quand j’étais acteur, c’était différent : on jouait un personnage, on se glissait dans un rôle.

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Burn-out, anxiété : briser le silence

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Le titre Salt in the Wound est le plus sombre de l’album.

Oui, je l’ai écrite avec Lauren Christy. Je voulais quelque chose de plus sombre, sur l’anxiété, la spirale. Ce personnage va mal. J’ai connu des moments d’anxiété, mais pas à ce point. Par contre, j’ai eu des amis dans cette situation. On s’en est inspiré.

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Tu as toi-même connu un burn-out ?

Oui, mais je ne m’en suis rendu compte que plus tard. Je voulais faire une pause, j’étais épuisé, ma relation était finie, mes amis avaient disparu. J’avais mon groupe, c’était comme mes amis, mais tout mon réseau avait disparu. J’avais besoin de reconstruire toute ma vie. Je pensais que ça durerait peu de temps, mais j’ai commencé à apprécier l’anonymat. C’était merveilleux. Puis ça a duré un peu trop longtemps. Ce n’était pas une dépression profonde, plutôt un épuisement, comme quand on s’affale sur le canapé, qu’on ne se lève pas pendant deux semaines, qu’on passe son temps à regarder des films, sans envie de rien faire.

Aujourd’hui, penses-tu que l’industrie prend mieux en compte ces sujets ?

Oui, on en parle davantage. Ma nièce Mabel a connu un énorme succès et a été sauvée par l’arrêt forcé du COVID. Dans le sport, les équipes ont des psychologues. Dans la musique, on te dit juste : « Vas-y, continue ». Moi, je pensais que mon manager veillait sur moi, mais non. Une semaine avant Noël, j’ai dit stop. J’ai demandé à bloquer la date. Mais très vite, deux opportunités sont arrivées, l’une en France, l’autre à New York. Et j’ai dit non. Finalement, on a fait le truc en France. On avait un jet privé. Après, ils ont proposé : « Et si vous, le groupe, l’équipe technique et ta copine preniez le Concorde ? Comme ça, on peut faire Paris ET New York ». On l’a fait. On a atterri, on est allés directement faire la balance au Madison Square Garden. C’était pour un gros festival radio. Et là, pendant la balance, je me suis dit : « Attends… j’avais dit non à ça ? Vraiment ? Qu’est-ce qui se passe ? ». Mais c’est là que j’ai compris que parfois, dire non, c’est dire oui, un vrai oui. Un bon oui. Celui qui vient du bon endroit. À partir de ce moment-là, j’ai compris que j’étais le seul à pouvoir mettre fin à cette folie. Personne d’autre n’allait le faire à ma place.

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Nourrir le monstre

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Tes derniers albums sont sortis à un rythme plus resserré.

Oui, peut-être tous les deux ans et demi, trois ans. Mon dernier album aurait été plus rapide sans le COVID. J’étais en studio juste après la tournée 2019. On avait enregistré sept chansons. Je me suis dit : « C’est génial, ça va sortir vite ». Puis le COVID est arrivé. Frustrant.

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Tu as dit que l’industrie musicale avait changé, qu’il fallait nourrir le monstre…

La musique, ça va. Ce sont ces putains de réseaux sociaux. C’est ce que j’appelle le monstre. Mes premiers albums ne sont pas sortis assez vite à mon goût. En tant que fan, j’aime quand les artistes sortent vite de nouveaux disques. Je regrette l’époque où on pouvait se permettre de faire de mauvais albums. Neil Young sortait un excellent album, puis un moins bon. Mais on savait qu’il reviendrait avec un chef-d’œuvre. Aujourd’hui, si tu rates un disque, tu disparais. Trop vite. Les labels ne prennent plus ce temps. Et maintenant, beaucoup ne sortent même plus d’albums, juste des singles. Oui, c’est assez mouvementé. Je suis juste reconnaissant d’avoir mis un pied dans la porte avant tout ça.

La scène, cet autre chez-soi

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Comment prépares-tu tes concerts ?

Tout dépend des chansons. La setlist, c’est de l’or. J’expérimente beaucoup. Avec l’expérience, je sais où le public reste, où il décroche. J’adore les tournées en club : tu ajustes d’un concert à l’autre. Après quatre ou cinq shows, tout est en place.

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Et le groupe ?

Un clavier, une batterie, une basse, une guitare. Parfois des cuivres, si le budget le permet. C’est simple. Au début, je créais même une setlist différente pour chaque concert. Maintenant, j’ai appris à construire un fil conducteur.

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Famille, image et héritage

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Ton image, tu la travailles ?

Je suis ce que je suis. Tout ce dont j’ai besoin, c’est de lunettes de soleil. C’est le seul vrai accessoire.

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En parlant d’images, ta mère (Monika Cherry) a conçu des pochettes et les vêtements pour ton père ?

Oui. Elle a fait des couvertures magnifiques. Elle n’a pas eu la carrière qu’elle méritait de son vivant, mais après sa mort, son œuvre a été redécouverte. Ma sœur gère son héritage, il y a eu des expositions dans le monde entier. Sa maison en Suède est entretenue grâce à ça. C’est une belle chose.

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Ton père, Don Cherry, avait une philosophie particulière des concerts…

Oui, pour lui, la scène faisait partie d’un tout, d’un mode de vie. Il écrivait une setlist puis ne la respectait jamais. Il improvisait. Comme Chuck Berry ! Keith Richards avait monté un concert pour qu’il joue sérieusement… et Chuck a changé la tonalité au dernier moment. « Jouez ! » disait-il. C’était du génie et de l’autodestruction à la fois.

Dernier morceau, dernière touche

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Il y a une histoire derrière Long Way Home. J’avais terminé l’album et décidé de ne mettre que neuf chansons. D’habitude, j’en ai toujours dix, onze, douze, voire treize. Un peu comme ce dont on parlait : les gens n’ont plus toujours la patience d’écouter un album entier. Alors j’ai réduit à neuf. Mais il manquait quelque chose, un élément qui apporte une autre couleur, une saveur différente, qui change un peu le son. J’ai donc commencé à réécouter tous mes anciens enregistrements, car à chaque album, il y a toujours quelques morceaux qui n’ont pas été retenus pour une raison ou une autre. Long Way Home était l’un d’eux. En l’écoutant, je me suis dit : « C’est exactement ce qui manque à l’album ». Il y a un peu de pedal steel dessus, joué par Anders Pedersen. Il est à Stockholm et a fait une tournée avec moi une fois. Nous avons fait beaucoup de concerts semi-acoustiques ensemble. J’ai écrit pas mal de chansons avec lui. Streets of You, c’était avec lui. C’est un très bon musicien. On l’a mixée avec une voix très sèche, très épurée. Ça crée un contraste fort avec des morceaux comme Chasing Down a Dream, où la voix est puissante, intense. J’aime ce contraste, cette différence qui donne du relief à l’album. C’est comme ça que Long Way Home s’est retrouvée dedans.

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Avec Become a Light, Eagle-Eye Cherry signe un album lumineux et sincère, porté par des mélodies réconfortantes et une voix toujours aussi habitée. Une œuvre qui, sans prétention, fait du bien comme une lumière douce qui éclaire nos jours sombres.

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Become a Light est disponible via Papa Cherry Records/Verycords. En tournée en France.

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Texte Lionel-Fabrice Chassaing

Image de couverture DR Verycords

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